'El topo' : No confíes en nadie

'El topo' (2011)


Años 70, en plena guerra fría. El fracaso de una misión especial en Hungría provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y sólo alguien de fuera puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes jubilados, Smiley irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor.

 Tomas Alfredson. Seguramente a la mayoría de vosotros no os suene de nada este nombre pero si que os sonará su película más conocida: ‘Déjame entrar’, esa cinta de terror sueca que sorprendió y convenció, a partes iguales, tanto al público como a la crítica.  Con un cambió de registro que no es nada habitual Tomas Alfredson es el encargado de llevar a la gran pantalla la novela homónima de John Le Carré. No hace falta decir lo difícil que es adaptar cualquier novela a la gran pantalla y más si esta novela tiene una trama y una narración enrevesada y en la que es fácil perderse.

Tomas Alfredson se rodea de un reparto de lujo encabezado por Gary Oldman y al que acompañan Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong o Ian Mckellen entre otros. Sobra decir que tanto los actores ya nombrados como alguno menos conocido, es el caso de Benedict Cumberbatch (Protagonista de la serie ‘Sherlock’ de la BBC),  realizan un trabajo magnífico a las órdenes de Tomas Alfredson.

La narración de ‘El topo’ es una narración densa así que los que esperan una cinta de espías con una narración rápida y con alguna que otra dosis de acción que se quiten esa idea de la cabeza ya que es una película en la que el método de narración, excelente por cierto, se fundamenta en unos diálogos largos que nos llevan por unos laberintos en los cuáles si no estamos atentos y prestamos atención será fácil perdernos. 


Nos encontramos ante una cinta de espías de verdad, espías que no conducen un Aston Martin y que tienen como único gadget su ingenio y habilidad. Unos espías de los que el propio James Bond podría tomar nota.

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Nota: 7/10

'El concierto': Preciosa sinfonía

'El concierto' (2009)

En tiempos de Brézhnev, Andreï Filipov, el mejor director de orquesta de la Unión Soviética, estaba al frente de la célebre orquesta del Bolchoï. Pero fue destituido, pues se negó a despedir a los músicos judíos, entre los que estaba Sacha, su mejor amigo. Treinta años después, sigue trabajando en el Bolchoï, pero como hombre de la limpieza. Una tarde en que se queda trabajando hasta muy tarde, descubre un fax dirigido al director del Bolchoï, en el que el Teatro del Châtelet invita a la orquesta a dar un concierto en Paris. Entonces, a Andreï se le ocurre una idea peregrina: reunir a sus antiguos amigos músicos con el fin de que suplanten a los músicos oficiales del Bolchoï. Sería una oportunidad única de tomarse la revancha...

La búsqueda de la armonía o el  deseo de cumplir un sueño. bajo estos dos pilares se construye la temática de ‘El concierto’. Una temática que a parte de albergar la historia de Andreï Filipov y su orquesta constituye una crítica  no sólo al régimen de Brézhnev, sino a la sociedad actual. Radu Mihaileanu, un director desconocido para la mayoría y que acaba de estrenar ahora ‘La fuente de las mujeres’, filma de manera más que correcta la pasión de un hombre al que se le arrebató aquello que más quería, la música.

Entre el reparto más que destacar a Aleksei Guskov, en el papel de Andreï, o a Mélanie Laurent, que os sonará por salir en ‘Malditos Bastardos’, me gustaría hacer una mención especial a todos los actores secundarios que tantas sonrisas consiguen sacar a lo largo de toda la cinta. Desde el mejor amigo de Andreï hasta el viejo trompetista judío pasando por el violinista gitano, todos ellos aportan una sinfonía y armonía que no desafina en ningún momento y que nos hace formar parte de esa gran orquesta que no necesita nada más que una cosa para ser feliz: la música

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Nota: 7/10

'The Artist' : Sin palabras

'The Artist' (2011)


Hollywood 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, quedará sepultado en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller verá impulsada su carrera a lo más alto, al firmamento de las estrellas. 


Con los tiempos que corren son muy pocos los directores que se empeñan a hacer películas arriesgadas o que se salen de lo que estamos más acostumbrados a ver. Pero todos los años surge alguna cinta que rompe con los esquemas y arriesga por hacer algo distinto, y esto justamente es lo que nos ofrece Michael Hazanavicius en 'The Artist. 


Hazanavicius nos ofrece en pleno siglo XXI una cinta muda sobre la decadencia de este tipo de cine cuando el cine sonoro comenzó a aparecer y no sólo la decadencia de un estilo cinematográfico sino también la caída de los actores dedicados a este tipo de cine. 'El crepúsculo de los dioses' de Billy Wilder trataba este mismo tema, el de una estrella del cine mudo en decadencia, pero Hazanavicius no se conforma sólo con contar la historia sino que lo hace con el lenguaje de aquellas cintas: las ímagenes, las sombras, la sobreactuación y, como no, la música.


Fueron muchos los actores que con la llegada del cine sonoro vieron como sus carreras y su fama desaparecia, algunos como Chaplin se amoldaron y consiguieron mantenerse en lo más alto otros cómo Buster Keaton fueron olvidados y relegados a un segundo plano. 'Tanto Jean Dujardin en el papel de George Valentin cómo Bérénice Bejo en el Peppy Miller hacen que nos creamos durante toda la cinta que son actores de cine mudo, todo esto gracias a un increíble lenguaje corporal y sobreactuación que no tiene nada que envidiar a los actores de aquella época. Una interpretación que a Jean Dujardín le ha valido el premio a mejor actor en Cannes por no hablar de los numerosos galardones que ha recibido la cinta tanto en Europa como en Estados Unidos


'The Artist' es un homenaje a aquellos genios, como Buster Keaton, que sin necesidad de usar la palabra conseguían desde emocionar hasta hacer reír. Genios que las productoras apartaron de la pantalla pero sin los cuáles no tendríamos esa cosa tan bonita a la que llamamos cine.

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Nota: 9/10

'Roma, ciudad abierta' : ¡A las barricadas!

'Roma, ciudad abierta' (1945)


Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar a Manfredi, el líder del Comité Nacional de Liberación. Annie Marie ofrece refugio en su casa a Manfredi y a algunos de sus camaradas, pero los alemanes descubren su escondrijo y rodean la vivienda; algunos partisanos consiguen escapar por los tejados, pero Manfredi es apresado.


Si hablamos de cine italiano seguramente se nos vendrán a la cabeza nombres como el de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y como no Roberto Rossellini pues fue este quien inauguró con ‘Roma, ciudad abierta’ esa etapa denominada neorrealismo italiano que, junto al cine expresionista alemán o a la Nouvelle vague, forma parte de la historia del cine.

‘Roma, ciudad abierta’ es la cinta que inaugura esta etapa del cine italiano, pero esta cinta es mucho más que el inicio de una nueva etapa cinematográfica es la visión de Rossellini, un ciudadano italiano, que utiliza su profesión como arma de protesta no sólo contra la ocupación nazi de Roma si no sobre todo contra la situación que vivían las clases más bajas de Italia.  Aunque la cinta cuenta con muchos actores no profesionales todas las interpretaciones son  convincentes destacando sobre todo la de Aldo Fabrizi en la piel del Padre Pietro un sacerdote católico que ofrece ayuda a la resistencia italiana.

A parte de que las interpretaciones son convincentes también ayuda que en la escritura del guión estuviese presente Fellini, todo hay que decirlo, aunque no por ello hay que quitarle mérito tanto al director como a los actores. La cinta asentó las bases del neorrealismo italiano con un gusto especial por rodar en exteriores mostrando así la ciudad de Roma en la posguerra. La cinta fue rodada en 1945 pocos meses después de que acabara la ocupación nazi de Roma. Esto hace que nos demos cuenta de las ganas de Rossellini de denunciar lo que había sucedido en Roma.  Rossellini rueda de manera que algunas escenas parezcan documentos reales sacados de algún documental que le da un aspecto mucho más real y verídico a la cinta.

Una ciudad destrozada e invadida. Un pueblo que resiste. Un cura que se niega a cerrar los ojos y decide actuar o unos niños que, aún a su temprana edad, deciden combatir al enemigo. Todo ello acompañado de una banda sonora simple, compuesta por el hermano de Rossellini, pero que cada vez que suena capta tu atención y hace que pongas todos los sentidos en la pantalla.

Chaplin realizó una crítica de la situación de Europa a modo de comedia en ‘El gran dictador’, Rossellini por su parte lo hace a modo de drama pero sin detenerse demasiado en las escenas dramáticas y sin buscar así la lágrima fácil ya que todas estas situaciones dramáticas forman parte de una tragedia mucho mayor: la situación vivida en Europa durante los años que duró  la Segunda Guerra Mundial.


El propio Rossellini describió su película como "el miedo de todos, pero principalmente el mio." un miedo que plasmó en sus personajes y que además de hacérnoslo sentir nos hace dar gracias de no haber crecido, como esos niños guerrilleros, en un ambiente tan hostil.


Nota: 7/10

'Melancolía' : ¡Qué bueno eres Von Trier!

'Melancolía' (2011)


Justine y Michael celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana y su cuñado. Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra...

A lo largo de estos últimos años hemos sido testigos de como una cantidad de directores de cine daban su particular versión del fin del mundo. Hace un tiempo escribí sobre una cinta poco convencional que narraba este tema con una visión distinta a la que estábamos habituados a ver, la película era 'It´s All About Love' de Tomas Vinterberg, íntimo amigo de Lars Von Trier.

Siguiendo los pasos de Vinterberg, Las Von Trier realiza su particular visión del fin del mundo, eso sí, siempre fiel al estilo al que nos tiene acostumbrados el director danés. La cinta empieza con un prólogo que es de lo mejor que he visto este año y que recuerda mucho al prólogo de 'Anticristo'. Como sus anteriores proyectos se encuentra dividida en capítulos, dos para ser exactos. El primero nos presenta a Justine, personaje interpretado por Kirsten Dunst, y el segundo a Claire, personaje interpretado por Charlotte Gainsbourg que repite a las órdenes del director.
Justine es una mujer que aún en el día de su boda no es feliz. Esto queda plasmado en toda la celebración de la boda donde se nos presenta tanto a Justine como al resto de su familia. una familia rota y en la que sus miembros no podían estar más desunidos (el propio padre de Justine huye cuando esta le pide ayuda). Algo está mal dentro de Justine, algo que su familia sabe y que a lo largo de la celebración el director nos muestra pero sin decirnos nunca que es lo que le pasa. Una celebración rodada con una cámara que no para de moverse, quizás para ponerle algo de "Dogma" a la cinta, y que recuerda a 'Celebración' de su amigo Vinterberg.

A medida que el planeta Melancolía avanza hacía la tierra lo que le sucede a Justine en su interior avanza con más rapidez mostrándonos a una mujer sin ganas de vivir y que ve en el fin del mundo la solución a todos los problemas, ya que este fin del mundo es algo que la propia humanidad se ha buscado. Donde Terrence Malick con 'El árbol de la vida' nos mostraba  dos tipos de caminos para entender la vida: la gracia o la naturaleza, Lars Von Trier en 'Melancolía' ve la destrucción del mundo como algo que la propia humanidad se ha buscado

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Nota: 8/10

'Mientras duermes': El miedo se llama Luis Tosar

'Mientras duermes' (2011)


César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión


Jaume Balagueró fue el encargado en 2007 de hacer que la gente se revolviera en sus asientos cuando estreno '[REC]' una cinta de terror  con la que demostró que en España también sabemos, y podemos, hacer buen cine de Terror. Con 'Mientras duermes' Jaume Balagueró deja de lado esa atmósfera agobiante creada en '[REC]' para ponernos en una atmósfera de tensión constante. Para lograrlo Balagueró se ha ayudado de Luis Tosar que con esta cinta vuelve a reivindicarse como uno de los mejores actores dentro del panorama nacional.

Luis Tosar encarna a un portero que no logra ser feliz y que transforma esa incapacidad en odio hacia los que a diferencia de él si logran ser felices. Tosar vuelve a lograr una interpretación notable que hace que nos acordemos de otros personajes suyos como Malamadre en 'Celda 211' o Antonio en 'Te doy mis ojos'. Marta Etura y el resto del reparto cumplen en el papel de los vecinos del edificio pero siempre bajo la gran sombra proyectada por Luis Tosar. Jaume Balagueró nos lo hizo pasar mal con '[REC]' y vuelve a hacerlo con 'Mientras duermes', las sensaciones no son las mismas pero con ambas cintas Jaume Balagueró nos demuestra que en España también sabemos hacer buen cine de terror.

Nota: 7/10

'Animal Kingdom' : Lazos de sangre

'Animal Kingdom' (2010)


Tras la muerte de su madre, Joshua “J” Cody, tiene que trasladarse a casa de su abuela Janine, que vive en Melbourne con sus tres hijos, Andrew, Darren y Craig, todos implicados en negocios ilegales. Inevitablemente, el chico se verá envuelto en los turbios asuntos de sus tíos, sobre todo cuando se produzca un enfrentamiento entre sus familiares y las autoridades locales, situación que provocará una serie de asesinatos a sangre fría. El sargento Leckie intentará salvar a Joshua y, además, conseguir su colaboración para detener a la banda.


Este es el argumento de la ópera prima de David Michôd, una cinta que a través de combinar el drama, el cine negro y el thriller nos ofrece la historia de una familia que, aún con sus problemas legales, parecen muy unidos, apariencia que cambiará a medida que avanzamos y conocemos a cada uno de los miembros de esta familia de depredadores. Sin necesidad de dotar a la cinta de una excesiva acción, algo muy típico últimamente en este tipo de cintas, el director consigue ponernos en tensión durante casi dos horas. Una tensión que nos hace sentir en todas y cada una de las escenas de la película, y que hace que nos preguntemos quien de los miembros de esta familia de depredadores será el siguiente en enseñar los dientes.


Una familia unida que a medida que la cinta se complica y van surgiendo los primeros problemas se ve como esos lazos familiares aparentemente fuertes no lo son tanto, unos lazos que se resquebrajan y nos muestran que no eran tan profundos como parecían. Todos los personajes tienen algo que, en algún momento, nos hace sentir afecto por ellos aunque en el fondo sepamos que no son trigo limpio. Destacar el personaje de Jackie Weaver como la matriarca del clan que se marca una de la mejores, si no la mejor, interpretación del film y que le valió una nominación al Oscar a mejor actriz secundaria. 'Animal Kingdom' es una película de gansters y de la destrucción de una familia, pero sobre todo es una película de personajes, personajes que en algunos momentos amaremos y que, en muchos otros, nunca desearíamos tener en nuestra familia.


Nota: 7/10