'Roma, ciudad abierta' : ¡A las barricadas!

'Roma, ciudad abierta' (1945)


Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar a Manfredi, el líder del Comité Nacional de Liberación. Annie Marie ofrece refugio en su casa a Manfredi y a algunos de sus camaradas, pero los alemanes descubren su escondrijo y rodean la vivienda; algunos partisanos consiguen escapar por los tejados, pero Manfredi es apresado.


Si hablamos de cine italiano seguramente se nos vendrán a la cabeza nombres como el de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y como no Roberto Rossellini pues fue este quien inauguró con ‘Roma, ciudad abierta’ esa etapa denominada neorrealismo italiano que, junto al cine expresionista alemán o a la Nouvelle vague, forma parte de la historia del cine.

‘Roma, ciudad abierta’ es la cinta que inaugura esta etapa del cine italiano, pero esta cinta es mucho más que el inicio de una nueva etapa cinematográfica es la visión de Rossellini, un ciudadano italiano, que utiliza su profesión como arma de protesta no sólo contra la ocupación nazi de Roma si no sobre todo contra la situación que vivían las clases más bajas de Italia.  Aunque la cinta cuenta con muchos actores no profesionales todas las interpretaciones son  convincentes destacando sobre todo la de Aldo Fabrizi en la piel del Padre Pietro un sacerdote católico que ofrece ayuda a la resistencia italiana.

A parte de que las interpretaciones son convincentes también ayuda que en la escritura del guión estuviese presente Fellini, todo hay que decirlo, aunque no por ello hay que quitarle mérito tanto al director como a los actores. La cinta asentó las bases del neorrealismo italiano con un gusto especial por rodar en exteriores mostrando así la ciudad de Roma en la posguerra. La cinta fue rodada en 1945 pocos meses después de que acabara la ocupación nazi de Roma. Esto hace que nos demos cuenta de las ganas de Rossellini de denunciar lo que había sucedido en Roma.  Rossellini rueda de manera que algunas escenas parezcan documentos reales sacados de algún documental que le da un aspecto mucho más real y verídico a la cinta.

Una ciudad destrozada e invadida. Un pueblo que resiste. Un cura que se niega a cerrar los ojos y decide actuar o unos niños que, aún a su temprana edad, deciden combatir al enemigo. Todo ello acompañado de una banda sonora simple, compuesta por el hermano de Rossellini, pero que cada vez que suena capta tu atención y hace que pongas todos los sentidos en la pantalla.

Chaplin realizó una crítica de la situación de Europa a modo de comedia en ‘El gran dictador’, Rossellini por su parte lo hace a modo de drama pero sin detenerse demasiado en las escenas dramáticas y sin buscar así la lágrima fácil ya que todas estas situaciones dramáticas forman parte de una tragedia mucho mayor: la situación vivida en Europa durante los años que duró  la Segunda Guerra Mundial.


El propio Rossellini describió su película como "el miedo de todos, pero principalmente el mio." un miedo que plasmó en sus personajes y que además de hacérnoslo sentir nos hace dar gracias de no haber crecido, como esos niños guerrilleros, en un ambiente tan hostil.


Nota: 7/10

'Melancolía' : ¡Qué bueno eres Von Trier!

'Melancolía' (2011)


Justine y Michael celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana y su cuñado. Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra...

A lo largo de estos últimos años hemos sido testigos de como una cantidad de directores de cine daban su particular versión del fin del mundo. Hace un tiempo escribí sobre una cinta poco convencional que narraba este tema con una visión distinta a la que estábamos habituados a ver, la película era 'It´s All About Love' de Tomas Vinterberg, íntimo amigo de Lars Von Trier.

Siguiendo los pasos de Vinterberg, Las Von Trier realiza su particular visión del fin del mundo, eso sí, siempre fiel al estilo al que nos tiene acostumbrados el director danés. La cinta empieza con un prólogo que es de lo mejor que he visto este año y que recuerda mucho al prólogo de 'Anticristo'. Como sus anteriores proyectos se encuentra dividida en capítulos, dos para ser exactos. El primero nos presenta a Justine, personaje interpretado por Kirsten Dunst, y el segundo a Claire, personaje interpretado por Charlotte Gainsbourg que repite a las órdenes del director.
Justine es una mujer que aún en el día de su boda no es feliz. Esto queda plasmado en toda la celebración de la boda donde se nos presenta tanto a Justine como al resto de su familia. una familia rota y en la que sus miembros no podían estar más desunidos (el propio padre de Justine huye cuando esta le pide ayuda). Algo está mal dentro de Justine, algo que su familia sabe y que a lo largo de la celebración el director nos muestra pero sin decirnos nunca que es lo que le pasa. Una celebración rodada con una cámara que no para de moverse, quizás para ponerle algo de "Dogma" a la cinta, y que recuerda a 'Celebración' de su amigo Vinterberg.

A medida que el planeta Melancolía avanza hacía la tierra lo que le sucede a Justine en su interior avanza con más rapidez mostrándonos a una mujer sin ganas de vivir y que ve en el fin del mundo la solución a todos los problemas, ya que este fin del mundo es algo que la propia humanidad se ha buscado. Donde Terrence Malick con 'El árbol de la vida' nos mostraba  dos tipos de caminos para entender la vida: la gracia o la naturaleza, Lars Von Trier en 'Melancolía' ve la destrucción del mundo como algo que la propia humanidad se ha buscado

 Trailer

Nota: 8/10

'Mientras duermes': El miedo se llama Luis Tosar

'Mientras duermes' (2011)


César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión


Jaume Balagueró fue el encargado en 2007 de hacer que la gente se revolviera en sus asientos cuando estreno '[REC]' una cinta de terror  con la que demostró que en España también sabemos, y podemos, hacer buen cine de Terror. Con 'Mientras duermes' Jaume Balagueró deja de lado esa atmósfera agobiante creada en '[REC]' para ponernos en una atmósfera de tensión constante. Para lograrlo Balagueró se ha ayudado de Luis Tosar que con esta cinta vuelve a reivindicarse como uno de los mejores actores dentro del panorama nacional.

Luis Tosar encarna a un portero que no logra ser feliz y que transforma esa incapacidad en odio hacia los que a diferencia de él si logran ser felices. Tosar vuelve a lograr una interpretación notable que hace que nos acordemos de otros personajes suyos como Malamadre en 'Celda 211' o Antonio en 'Te doy mis ojos'. Marta Etura y el resto del reparto cumplen en el papel de los vecinos del edificio pero siempre bajo la gran sombra proyectada por Luis Tosar. Jaume Balagueró nos lo hizo pasar mal con '[REC]' y vuelve a hacerlo con 'Mientras duermes', las sensaciones no son las mismas pero con ambas cintas Jaume Balagueró nos demuestra que en España también sabemos hacer buen cine de terror.

Nota: 7/10

'Animal Kingdom' : Lazos de sangre

'Animal Kingdom' (2010)


Tras la muerte de su madre, Joshua “J” Cody, tiene que trasladarse a casa de su abuela Janine, que vive en Melbourne con sus tres hijos, Andrew, Darren y Craig, todos implicados en negocios ilegales. Inevitablemente, el chico se verá envuelto en los turbios asuntos de sus tíos, sobre todo cuando se produzca un enfrentamiento entre sus familiares y las autoridades locales, situación que provocará una serie de asesinatos a sangre fría. El sargento Leckie intentará salvar a Joshua y, además, conseguir su colaboración para detener a la banda.


Este es el argumento de la ópera prima de David Michôd, una cinta que a través de combinar el drama, el cine negro y el thriller nos ofrece la historia de una familia que, aún con sus problemas legales, parecen muy unidos, apariencia que cambiará a medida que avanzamos y conocemos a cada uno de los miembros de esta familia de depredadores. Sin necesidad de dotar a la cinta de una excesiva acción, algo muy típico últimamente en este tipo de cintas, el director consigue ponernos en tensión durante casi dos horas. Una tensión que nos hace sentir en todas y cada una de las escenas de la película, y que hace que nos preguntemos quien de los miembros de esta familia de depredadores será el siguiente en enseñar los dientes.


Una familia unida que a medida que la cinta se complica y van surgiendo los primeros problemas se ve como esos lazos familiares aparentemente fuertes no lo son tanto, unos lazos que se resquebrajan y nos muestran que no eran tan profundos como parecían. Todos los personajes tienen algo que, en algún momento, nos hace sentir afecto por ellos aunque en el fondo sepamos que no son trigo limpio. Destacar el personaje de Jackie Weaver como la matriarca del clan que se marca una de la mejores, si no la mejor, interpretación del film y que le valió una nominación al Oscar a mejor actriz secundaria. 'Animal Kingdom' es una película de gansters y de la destrucción de una familia, pero sobre todo es una película de personajes, personajes que en algunos momentos amaremos y que, en muchos otros, nunca desearíamos tener en nuestra familia.


Nota: 7/10

'El árbol de la vida' : Oda a la vida

'El árbol de la vida' (2011)

El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre (Jessica Chastain), que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre (Brad Pitt), que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.


Naturaleza o Gracia, estos son los dos caminos que nos plantea Terrence Malick en la que quizás sea su película más personal. Una película de todo menos convencional y donde la estructura de los tres actos desaparece por completo para mostrarnos tanto la evolución de la vida de un niño como la creación del universo. Malick nos muestra el nacimiento del universo a través de unas imágenes bellísimas que podrían pertenecer perfectamente a un documental del National Geographic, y la evolución del personaje de Jack a través de unas imágenes cargadas de un alto contenido emocional no por lo que te hacen ver, sino por lo que te hacen sentir. 

La mano de un padre sujetando firme a su hijo, el abrazo de una madre, la rabia de un niño y la piedad mostrada por un dinosaurio frente a su presa malherida son algunos de los muchos gestos que contiene 'El árbol de la vida'. A través de los gestos y las miradas y casi prescindiendo de diálogos Malick consigue unas escenas humanas impecables que, acompañadas de una música sublime, dejará a más de uno con los pelos de punta. ¿ Qué camino elegir, el de la Naturaleza o el de la Gracia? Malick expone los dos caminos con neutralidad dejando que el espectador elija   y sin tenderle ningún trampa que le decante por uno u otro camino. 'El árbol de la vida' es una película pero también es un poema a la vida y sobre todo es una obra de arte que sobrepasa los límites narrativos, a través de un simple drama familiar Malick crea una historia sobre la vida y sobre la creación cargado de misticismo nunca visto antes en ninguna otra cinta. Un árbol que Terrence Malick ha mimado y regado con cariño, pausa, sentimiento y cuyas raices, largas y fuertes, ya pasan a formar parte de los cimientos del cine.

Nota: 9/10

'La piel que habito' : A mí no me vende la moto

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'La piel que habito' (2011)


Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, dedica años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla: se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es su cómplice más fiel: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.


Cada vez que Pedro Almodóvar saca una nueva película el mundo se paraliza, sus fans hacen cola a la puerta de los cines para ver la última "genialidad" de su director favorito y los críticos de medio mundo afilan sus lapices babeando esperando para escribir sobre lo último del director manchego. Sobra decir que las cintas de Almodóvar tienen un estilo un tanto peculiar y que se encarga de hacer notar en todas sus obras, el mismo estilo que a unos encandila a otros-como es mi caso-  cansa y aburre. Al leer esto muchos os preguntaréis que si tanta manía le tengo a Almodóvar que hago yendo a ver su última película si sé que no me va a gustar, pues bien la respuesta es sencilla: había leído críticas en las que decían que por una vez dejaba a un lado su estilo tan personal para atraer a otro sector del público que no se siente familiarizado con él. En 'La piel que habito' Almodóvar hace un cóctel de géneros de lo más curioso y que en un principio fue lo que me llamó la atención. La mezcla de terror, drama y un toque de ciencia-ficción me llevó a acercarme a una sala de cine a darle una última oportunidad.


Aunque Antonio Banderas hace uno de sus mejores trabajos en mucho tiempo, aunque de cirujano loco a mi no me pegue un pelo, su trabajo se echa a perder con un cúmulo de situaciones ridículas que en vez de miedo lo que dan es risa. Almodóvar hace uso de un flashback para meternos un poco más en la historia y es justo en este momento cuando me olí todo el pastel y ese mismo olor fue el que hizo que mis esperanzas depositadas en lo último del director manchego se esfumasen en un abrir y cerrar de ojos. El guión no está del todo mal si nos olvidamos del último giro que pega en el tramo final de la cinta que hace que  resulte un poco más ridícula de lo que ya era antes. No voy a pararme a analizar los aspectos técnicos y de dirección  ya que sobra decir que nos encontramos ante un director que en esto último sabe lo que hace y en esta película lo demuestra una vez más, pero a mi su particular estilo y su empeño en colocar siempre un mismo tema de fondo, o parecido, ya me sabe a rancio.

Nota: 5/10

'The Cove' : Triste,cruel, pero increíblemente bella

'The Cove' (2009)

'The Cove' es un documental del 2009 que muestra la matanza de más de 23.000 delfines en una cala en Taiji, Wakayama (Japón). El filme fue dirigido por el antiguo fotógrafo de National Geographic Louis Psihoyos, y fue grabado secretamente durante 2007 empleando micrófonos submarinos y cámaras de alta definición camufladas como rocas.


La mayoría de nosotros hemos crecido viendo 'Flipper' y visitando acuarios en donde se podían ver espectáculos protagonizados por delfines o ballenas, animales a los que se arrebata su libertad para utilizarlos como atracción en este negocio multimillonario que son los acuarios. 'The Cove' es una crítica a la matanza indiscriminada de delfines en Japón pero también una crítica feroz al negocio de los acuarios. También es la historia de un superhéroe de carne y hueso llamado Ric O'Barry, él fue el que capturo y entreno a  los cinco delfines que fueron utilizados para la serie de televisión 'Flipper' pero tras la muerte de uno de ellos se volvió en contra de la cautividad de estos animales luchando firmemente contra ella.


Como si de una película estilo 'Ocean´s Eleven' se tratase Louis Psihoyos reúne un equipo para filmar y denunciar la matanza. La película es sólo el medio utilizado por sus realizadores para alertar a la gente de lo que sucede en la costa de Taiji, un llamamiento para que nos quitemos la venda de los ojos y denunciemos lo que estas escalofriantes imágenes nos muestran. La cinta va alternando la preparación de la operación del equipo con entrevistas a activistas y personal del propio equipo encargado de llevar a cabo el documental. Unas ímágenes  de gran impacto acompañadas de una banda sonora preciosa contribuyen a crear la atmósfera perfecta en este excelente ejercicio de cinematografía en el que aunque gran parte sus imágenes resulten crueles a la vez nos enseña la belleza de la lucha de un grupo de gente por salvar a estos mamíferos. Una cinta que seguro abrirá muchos ojos y callará muchas bocas en el país del sol naciente, y que nos enseña que en este mundo se necesitan más superhéroes como Ric O'Barry.

Nota: 7/10