Años 70, en plena guerra fría. El fracaso de una misión especial en Hungría provoca un cambio en la cúpula de los servicios secretos británicos. Uno de los defenestrados es el agente George Smiley. Sin embargo, cuando ya se había hecho a la idea de retirarse, le encargan una misión especial. Se sospecha que hay un “topo” infiltrado en la cúpula del Servicio y sólo alguien de fuera puede averiguar quién es. Con la ayuda de otros agentes jubilados, Smiley irá recabando información y encajando las piezas para intentar descubrir al traidor.
Tomas Alfredson. Seguramente a la mayoría de vosotros no os suene de nada este nombre pero si que os sonará su película más conocida: ‘Déjame entrar’, esa cinta de terror sueca que sorprendió y convenció, a partes iguales, tanto al público como a la crítica.Con un cambió de registro que no es nada habitual Tomas Alfredson es el encargado de llevar a la gran pantalla la novela homónima de John Le Carré. No hace falta decir lo difícil que es adaptar cualquier novela a la gran pantalla y más si esta novela tiene una trama y una narración enrevesada y en la que es fácil perderse.
Tomas Alfredson se rodea de un reparto de lujo encabezado por Gary Oldman y al que acompañan Colin Firth, Tom Hardy, Mark Strong o Ian Mckellen entre otros. Sobra decir que tanto los actores ya nombrados como alguno menos conocido, es el caso de Benedict Cumberbatch (Protagonista de la serie ‘Sherlock’ de la BBC), realizan un trabajo magnífico a las órdenes de Tomas Alfredson.
La narración de ‘El topo’ es una narración densa así que los que esperan una cinta de espías con una narración rápida y con alguna que otra dosis de acción que se quiten esa idea de la cabeza ya que es una película en la que el método de narración, excelente por cierto, se fundamenta en unos diálogos largos que nos llevan por unos laberintos en los cuáles si no estamos atentos y prestamos atención será fácil perdernos.
Nos encontramos ante una cinta de espías de verdad, espías que no conducen un Aston Martin y que tienen como único gadget su ingenio y habilidad. Unos espías de los que el propio James Bond podría tomar nota.
En tiempos de Brézhnev, Andreï Filipov, el mejor director de orquesta de la Unión Soviética, estaba al frente de la célebre orquesta del Bolchoï. Pero fue destituido, pues se negó a despedir a los músicos judíos, entre los que estaba Sacha, su mejor amigo. Treinta años después, sigue trabajando en el Bolchoï, pero como hombre de la limpieza. Una tarde en que se queda trabajando hasta muy tarde, descubre un fax dirigido al director del Bolchoï, en el que el Teatro del Châtelet invita a la orquesta a dar un concierto en Paris. Entonces, a Andreï se le ocurre una idea peregrina: reunir a sus antiguos amigos músicos con el fin de que suplanten a los músicos oficiales del Bolchoï. Sería una oportunidad única de tomarse la revancha...
La búsqueda de la armonía o el deseo de cumplir un sueño. bajo estos dos pilares se construye la temática de ‘El concierto’. Una temática que a parte de albergar la historia de Andreï Filipov y su orquesta constituye una crítica no sólo al régimen de Brézhnev, sino a la sociedad actual. Radu Mihaileanu, un director desconocido para la mayoría y que acaba de estrenar ahora ‘La fuente de las mujeres’, filma de manera más que correcta la pasión de un hombre al que se le arrebató aquello que más quería, la música.
Entre el reparto más que destacar a Aleksei Guskov, en el papel de Andreï, o a Mélanie Laurent, que os sonará por salir en ‘Malditos Bastardos’, me gustaría hacer una mención especial a todos los actores secundarios que tantas sonrisas consiguen sacar a lo largo de toda la cinta. Desde el mejor amigo de Andreï hasta el viejo trompetista judío pasando por el violinista gitano, todos ellos aportan una sinfonía y armonía que no desafina en ningún momento y que nos hace formar parte de esa gran orquesta que no necesita nada más que una cosa para ser feliz: la música
Hollywood 1927. George Valentin es una gran estrella del cine mudo a quien la vida le sonríe. Pero, con la llegada del cine sonoro, quedará sepultado en el olvido. Por su parte, la joven actriz Peppy Miller verá impulsada su carrera a lo más alto, al firmamento de las estrellas.
Con los tiempos que corren son muy pocos los directores que se empeñan a hacer películas arriesgadas o que se salen de lo que estamos más acostumbrados a ver. Pero todos los años surge alguna cinta que rompe con los esquemas y arriesga por hacer algo distinto, y esto justamente es lo que nos ofrece Michael Hazanavicius en 'The Artist.
Hazanavicius nos ofrece en pleno siglo XXI una cinta muda sobre la decadencia de este tipo de cine cuando el cine sonoro comenzó a aparecer y no sólo la decadencia de un estilo cinematográfico sino también la caída de los actores dedicados a este tipo de cine. 'El crepúsculo de los dioses' de Billy Wilder trataba este mismo tema, el de una estrella del cine mudo en decadencia, pero Hazanavicius no se conforma sólo con contar la historia sino que lo hace con el lenguaje de aquellas cintas: las ímagenes, las sombras, la sobreactuación y, como no, la música.
Fueron muchos los actores que con la llegada del cine sonoro vieron como sus carreras y su fama desaparecia, algunos como Chaplin se amoldaron y consiguieron mantenerse en lo más alto otros cómo Buster Keaton fueron olvidados y relegados a un segundo plano. 'Tanto Jean Dujardin en el papel de George Valentin cómo Bérénice Bejo en el Peppy Miller hacen que nos creamos durante toda la cinta que son actores de cine mudo, todo esto gracias a un increíble lenguaje corporal y sobreactuación que no tiene nada que envidiar a los actores de aquella época. Una interpretación que a Jean Dujardín le ha valido el premio a mejor actor en Cannes por no hablar de los numerosos galardones que ha recibido la cinta tanto en Europa como en Estados Unidos
'The Artist' es un homenaje a aquellos genios, como Buster Keaton, que sin necesidad de usar la palabra conseguían desde emocionar hasta hacer reír. Genios que las productoras apartaron de la pantalla pero sin los cuáles no tendríamos esa cosa tan bonita a la que llamamos cine.
Estando Roma ocupada por los nazis, la temible Gestapo trata de arrestar a Manfredi, el líder del Comité Nacional de Liberación. Annie Marie ofrece refugio en su casa a Manfredi y a algunos de sus camaradas, pero los alemanes descubren su escondrijo y rodean la vivienda; algunos partisanos consiguen escapar por los tejados, pero Manfredi es apresado.
Si hablamos de cine italiano seguramente se nos vendrán a la cabeza nombres como el de Federico Fellini, Michelangelo Antonioni y como no Roberto Rossellini pues fue este quien inauguró con ‘Roma, ciudad abierta’ esa etapa denominada neorrealismo italiano que, junto al cine expresionista alemán o a la Nouvelle vague, forma parte de la historia del cine.
‘Roma, ciudad abierta’ es la cinta que inaugura esta etapa del cine italiano, pero esta cinta es mucho más que el inicio de una nueva etapa cinematográfica es la visión de Rossellini, un ciudadano italiano, que utiliza su profesión como arma de protesta no sólo contra la ocupación nazi de Roma si no sobre todo contra la situación que vivían las clases más bajas de Italia. Aunque la cinta cuenta con muchos actores no profesionales todas las interpretaciones son convincentes destacando sobre todo la de Aldo Fabrizi en la piel del Padre Pietro un sacerdote católico que ofrece ayuda a la resistencia italiana.
A parte de que las interpretaciones son convincentes también ayuda que en la escritura del guión estuviese presente Fellini, todo hay que decirlo, aunque no por ello hay que quitarle mérito tanto al director como a los actores. La cinta asentó las bases del neorrealismo italiano con un gusto especial por rodar en exteriores mostrando así la ciudad de Roma en la posguerra. La cinta fue rodada en 1945 pocos meses después de que acabara la ocupación nazi de Roma. Esto hace que nos demos cuenta de las ganas de Rossellini de denunciar lo que había sucedido en Roma. Rossellini rueda de manera que algunas escenas parezcan documentos reales sacados de algún documental que le da un aspecto mucho más real y verídico a la cinta.
Una ciudad destrozada e invadida. Un pueblo que resiste. Un cura que se niega a cerrar los ojos y decide actuar o unos niños que, aún a su temprana edad, deciden combatir al enemigo. Todo ello acompañado de una banda sonora simple, compuesta por el hermano de Rossellini, pero que cada vez que suena capta tu atención y hace que pongas todos los sentidos en la pantalla.
Chaplin realizó una crítica de la situación de Europa a modo de comedia en ‘El gran dictador’, Rossellini por su parte lo hace a modo de drama pero sin detenerse demasiado en las escenas dramáticas y sin buscar así la lágrima fácil ya que todas estas situaciones dramáticas forman parte de una tragedia mucho mayor: la situación vivida en Europa durante los años que duró la Segunda Guerra Mundial.
El propio Rossellini describió su película como "el miedo de todos, pero principalmente el mio." un miedo que plasmó en sus personajes y que además de hacérnoslo sentir nos hace dar gracias de no haber crecido, como esos niños guerrilleros, en un ambiente tan hostil.
Justine y Michael celebran su boda con una suntuosa fiesta en casa de su hermana y su cuñado. Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la Tierra...
A lo largo de estos últimos años hemos sido testigos de como una cantidad de directores de cine daban su particular versión del fin del mundo. Hace un tiempo escribí sobre una cinta poco convencional que narraba este tema con una visión distinta a la que estábamos habituados a ver, la película era 'It´s All About Love' de Tomas Vinterberg, íntimo amigo de Lars Von Trier.
Siguiendo los pasos de Vinterberg, Las Von Trier realiza su particular visión del fin del mundo, eso sí, siempre fiel al estilo al que nos tiene acostumbrados el director danés. La cinta empieza con un prólogo que es de lo mejor que he visto este año y que recuerda mucho al prólogo de 'Anticristo'. Como sus anteriores proyectos se encuentra dividida en capítulos, dos para ser exactos. El primero nos presenta a Justine, personaje interpretado por Kirsten Dunst, y el segundo a Claire, personaje interpretado por Charlotte Gainsbourg que repite a las órdenes del director.
Justine es una mujer que aún en el día de su boda no es feliz. Esto queda plasmado en toda la celebración de la boda donde se nos presenta tanto a Justine como al resto de su familia. una familia rota y en la que sus miembros no podían estar más desunidos (el propio padre de Justine huye cuando esta le pide ayuda). Algo está mal dentro de Justine, algo que su familia sabe y que a lo largo de la celebración el director nos muestra pero sin decirnos nunca que es lo que le pasa. Una celebración rodada con una cámara que no para de moverse, quizás para ponerle algo de "Dogma" a la cinta, y que recuerda a 'Celebración' de su amigo Vinterberg.
A medida que el planeta Melancolía avanza hacía la tierra lo que le sucede a Justine en su interior avanza con más rapidez mostrándonos a una mujer sin ganas de vivir y que ve en el fin del mundo la solución a todos los problemas, ya que este fin del mundo es algo que la propia humanidad se ha buscado. Donde Terrence Malick con 'El árbol de la vida' nos mostraba dos tipos de caminos para entender la vida: la gracia o la naturaleza, Lars Von Trier en 'Melancolía' ve la destrucción del mundo como algo que la propia humanidad se ha buscado
César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión
Jaume Balagueró fue el encargado en 2007 de hacer que la gente se revolviera en sus asientos cuando estreno '[REC]' una cinta de terror con la que demostró que en España también sabemos, y podemos, hacer buen cine de Terror. Con 'Mientras duermes' Jaume Balagueró deja de lado esa atmósfera agobiante creada en '[REC]' para ponernos en una atmósfera de tensión constante. Para lograrlo Balagueró se ha ayudado de Luis Tosar que con esta cinta vuelve a reivindicarse como uno de los mejores actores dentro del panorama nacional.
Luis Tosar encarna a un portero que no logra ser feliz y que transforma esa incapacidad en odio hacia los que a diferencia de él si logran ser felices. Tosar vuelve a lograr una interpretación notable que hace que nos acordemos de otros personajes suyos como Malamadre en 'Celda 211' o Antonio en 'Te doy mis ojos'. Marta Etura y el resto del reparto cumplen en el papel de los vecinos del edificio pero siempre bajo la gran sombra proyectada por Luis Tosar. Jaume Balagueró nos lo hizo pasar mal con '[REC]' y vuelve a hacerlo con 'Mientras duermes', las sensaciones no son las mismas pero con ambas cintas Jaume Balagueró nos demuestra que en España también sabemos hacer buen cine de terror.
Tras la muerte de su madre, Joshua “J” Cody, tiene que trasladarse a casa de su abuela Janine, que vive en Melbourne con sus tres hijos, Andrew, Darren y Craig, todos implicados en negocios ilegales. Inevitablemente, el chico se verá envuelto en los turbios asuntos de sus tíos, sobre todo cuando se produzca un enfrentamiento entre sus familiares y las autoridades locales, situación que provocará una serie de asesinatos a sangre fría. El sargento Leckie intentará salvar a Joshua y, además, conseguir su colaboración para detener a la banda.
Este es el argumento de la ópera prima de David Michôd, una cinta que a través de combinar el drama, el cine negro y el thriller nos ofrece la historia de una familia que, aún con sus problemas legales, parecen muy unidos, apariencia que cambiará a medida que avanzamos y conocemos a cada uno de los miembros de esta familia de depredadores. Sin necesidad de dotar a la cinta de una excesiva acción, algo muy típico últimamente en este tipo de cintas, el director consigue ponernos en tensión durante casi dos horas. Una tensión que nos hace sentir en todas y cada una de las escenas de la película, y que hace que nos preguntemos quien de los miembros de esta familia de depredadores será el siguiente en enseñar los dientes.
Una familia unida que a medida que la cinta se complica y van surgiendo los primeros problemas se ve como esos lazos familiares aparentemente fuertes no lo son tanto, unos lazos que se resquebrajan y nos muestran que no eran tan profundos como parecían. Todos los personajes tienen algo que, en algún momento, nos hace sentir afecto por ellos aunque en el fondo sepamos que no son trigo limpio. Destacar el personaje de Jackie Weaver como la matriarca del clan que se marca una de la mejores, si no la mejor, interpretación del film y que le valió una nominación al Oscar a mejor actriz secundaria. 'Animal Kingdom' es una película de gansters y de la destrucción de una familia, pero sobre todo es una película de personajes, personajes que en algunos momentos amaremos y que, en muchos otros, nunca desearíamos tener en nuestra familia.
El film narra la evolución de Jack, un niño que vive con su madre (Jessica Chastain), que encarna el amor y la bondad, mientras que su padre (Brad Pitt), que representa la severidad, es el encargado de enseñarle a enfrentarse a un mundo hostil. Sean Penn interpreta a Jack en la edad adulta. Por otro lado, se trata también la historia del Universo desde sus orígenes.
Naturaleza o Gracia, estos son los dos caminos que nos plantea Terrence Malick en la que quizás sea su película más personal. Una película de todo menos convencional y donde la estructura de los tres actos desaparece por completo para mostrarnos tanto la evolución de la vida de un niño como la creación del universo. Malick nos muestra el nacimiento del universo a través de unas imágenes bellísimas que podrían pertenecer perfectamente a un documental del National Geographic, y la evolución del personaje de Jack a través de unas imágenes cargadas de un alto contenido emocional no por lo que te hacen ver, sino por lo que te hacen sentir.
La mano de un padre sujetando firme a su hijo, el abrazo de una madre, la rabia de un niño y la piedad mostrada por un dinosaurio frente a su presa malherida son algunos de los muchos gestos que contiene 'El árbol de la vida'. A través de los gestos y las miradas y casi prescindiendo de diálogos Malick consigue unas escenas humanas impecables que, acompañadas de una música sublime, dejará a más de uno con los pelos de punta. ¿ Qué camino elegir, el de la Naturaleza o el de la Gracia? Malick expone los dos caminos con neutralidad dejando que el espectador elija y sin tenderle ningún trampa que le decante por uno u otro camino. 'El árbol de la vida' es una película pero también es un poema a la vida y sobre todo es una obra de arte que sobrepasa los límites narrativos, a través de un simple drama familiar Malick crea una historia sobre la vida y sobre la creación cargado de misticismo nunca visto antes en ninguna otra cinta. Un árbol que Terrence Malick ha mimado y regado con cariño, pausa, sentimiento y cuyas raices, largas y fuertes, ya pasan a formar parte de los cimientos del cine.
Desde que su mujer sufriera quemaduras en todo el cuerpo en un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, dedica años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla: se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es su cómplice más fiel: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana.
Cada vez que Pedro Almodóvar saca una nueva película el mundo se paraliza, sus fans hacen cola a la puerta de los cines para ver la última "genialidad" de su director favorito y los críticos de medio mundo afilan sus lapices babeando esperando para escribir sobre lo último del director manchego. Sobra decir que las cintas de Almodóvar tienen un estilo un tanto peculiar y que se encarga de hacer notar en todas sus obras, el mismo estilo que a unos encandila a otros-como es mi caso- cansa y aburre. Al leer esto muchos os preguntaréis que si tanta manía le tengo a Almodóvar que hago yendo a ver su última película si sé que no me va a gustar, pues bien la respuesta es sencilla: había leído críticas en las que decían que por una vez dejaba a un lado su estilo tan personal para atraer a otro sector del público que no se siente familiarizado con él. En 'La piel que habito' Almodóvar hace un cóctel de géneros de lo más curioso y que en un principio fue lo que me llamó la atención. La mezcla de terror, drama y un toque de ciencia-ficción me llevó a acercarme a una sala de cine a darle una última oportunidad.
Aunque Antonio Banderas hace uno de sus mejores trabajos en mucho tiempo, aunque de cirujano loco a mi no me pegue un pelo, su trabajo se echa a perder con un cúmulo de situaciones ridículas que en vez de miedo lo que dan es risa. Almodóvar hace uso de un flashback para meternos un poco más en la historia y es justo en este momento cuando me olí todo el pastel y ese mismo olor fue el que hizo que mis esperanzas depositadas en lo último del director manchego se esfumasen en un abrir y cerrar de ojos. El guión no está del todo mal si nos olvidamos del último giro que pega en el tramo final de la cinta que hace que resulte un poco más ridícula de lo que ya era antes. No voy a pararme a analizar los aspectos técnicos y de dirección ya que sobra decir que nos encontramos ante un director que en esto último sabe lo que hace y en esta película lo demuestra una vez más, pero a mi su particular estilo y su empeño en colocar siempre un mismo tema de fondo, o parecido, ya me sabe a rancio.
'The Cove' es un documental del 2009 que muestra la matanza de más de 23.000 delfines en una cala en Taiji, Wakayama (Japón). El filme fue dirigido por el antiguo fotógrafo de National Geographic Louis Psihoyos, y fue grabado secretamente durante 2007 empleando micrófonos submarinos y cámaras de alta definición camufladas como rocas.
La mayoría de nosotros hemos crecido viendo 'Flipper' y visitando acuarios en donde se podían ver espectáculos protagonizados por delfines o ballenas, animales a los que se arrebata su libertad para utilizarlos como atracción en este negocio multimillonario que son los acuarios. 'The Cove' es una crítica a la matanza indiscriminada de delfines en Japón pero también una crítica feroz al negocio de los acuarios. También es la historia de un superhéroe de carne y hueso llamado Ric O'Barry, él fue el que capturo y entreno a los cinco delfines que fueron utilizados para la serie de televisión 'Flipper' pero tras la muerte de uno de ellos se volvió en contra de la cautividad de estos animales luchando firmemente contra ella.
Como si de una película estilo 'Ocean´s Eleven' se tratase Louis Psihoyos reúne un equipo para filmar y denunciar la matanza. La película es sólo el medio utilizado por sus realizadores para alertar a la gente de lo que sucede en la costa de Taiji, un llamamiento para que nos quitemos la venda de los ojos y denunciemos lo que estas escalofriantes imágenes nos muestran. La cinta va alternando la preparación de la operación del equipo con entrevistas a activistas y personal del propio equipo encargado de llevar a cabo el documental. Unas ímágenes de gran impacto acompañadas de una banda sonora preciosa contribuyen a crear la atmósfera perfecta en este excelente ejercicio de cinematografía en el que aunque gran parte sus imágenes resulten crueles a la vez nos enseña la belleza de la lucha de un grupo de gente por salvar a estos mamíferos. Una cinta que seguro abrirá muchos ojos y callará muchas bocas en el país del sol naciente, y que nos enseña que en este mundo se necesitan más superhéroes como Ric O'Barry.
A sus doce años, Antoine Doinel se ve obligado no sólo a convivir con los problemas conyugales que sus padres no se atreven a afrontar, sino también a soportar las exigencias de un severo profesor. Un día, asustado porque no ha cumplido un castigo que el maestro le ha impuesto, decide hacer novillos con su amigo René. Inesperadamente, ve a su madre en compañía de otro hombre; la culpa y el miedo lo arrastran a una serie de mentiras y riñas que poco a poco van calando en su ánimo. Deseando dejar atrás todos sus problemas, sueña con conocer el mar y traza con René un plan para escaparse.
'Los cuatrocientos golpes' fue el primer largometraje de François Truffaut y también es la primera cinta que veo suya. He de decir que siempre me ha echado para atrás el cine francés, especialmente la etapa de la Nouvelle Vague, no es que mis experiencias con el cine francés hayan sido malas, si no todo lo contrario, es simplemente la pereza que me daba ponerme con una etapa tan grande del cine y el miedo a engancharme a ella como ya me pasó en su día con el expresionismo alemán.
De la mano de Truffaut y a través de los ojos de Antoine vamos viendo situaciones con las que muchos, por no decir todos, alguna vez nos hemos topado. ¿Quién no ha tenido un profesor estricto que al verlo temblabas de miedo? ¿Quién no ha discutido alguna vez con sus padres? o más sencillo: ¿Quién no ha hecho alguna travesura?. Truffaut nos muestra a un niño enamorado del cine y de la literatura de Balzac pero sobre todo trata de mostrarnos a un niño con un sueño, un sueño que como todo niño no deja en ningún momento de perseguir.
Una música sencilla y pegadiza es lo que nos acompaña a través de las calles de la ciudad por la que Antoine y René corretean persiguiendo sus sueños y haciendo alguna que otra gamberrada. Unos niños a los que la vida golpea de distinta forma pero que hacen que comprendan que en la vida uno va a recibir más de cuatrocientos golpes y por eso es por lo que, tanto nosotros como Antoine y René, nunca debemos de dejar de correr tras nuestros sueños.
Thierry Guetta es un francés que vive en Los Ángeles y cuya única obsesión es grabarlo todo con su cámara de video. Poco a poco se va introduciendo en el mundo del arte urbano y llega a conocer a Bansky, el artista urbano más famoso de la historia.
La idea que se nos plantea al principio de este documental es la de un documental sobre el arte urbano, más concretamente sobre Bansky : ese enigmático artista que ha hecho que la mayoría de la gente que veía el graffiti como mero bandalismo acabase por verlo como arte. Pero este documental no gira sólo en torno a Bansky, de hecho gira sobre todo en torno a Thierry Guetta, ese francés que va acompañado siempre de su cámara de video y que descubre en el arte urbano una espiral de diversión, emoción y peligro que le atrae más que todo lo que ha grabado hasta ahora.
El documental comienza presentándonos a Thierry Guetta y su primer contacto con el mundo del graffiti. A medida que avanza y este va conociendo a más y más artistas dentro del panorama del graffiti, la cinta pasa de ser un documental sobre el arte urbano a convertirse en un documental sobre lo atractivo de este mundo y la intención de Thierry Guetta de convertirse en un conocido artista urbano. La cinta se compone de una serie de entrevistas a personalidades del mundo del graffiti y al propio Thierry, además de estas entrevistas nos muestra también fragmentos de lo que la cámara de Thierry recogió durante su experiencia con estos artistas, un mundo que hasta ahora nunca había sido explorado a modo de documental y que constituye una pieza única a la hora de ver a estos artistas, en plena faena.
Una apuesta muy interesante en la cual en los títulos de crédito oficiales no aparece ningún guionista o director, tan sólo "Un film de Banski" , que contribuye a quitar ese estereotipo que asocia graffiti con bandalismo para mostrarnos un mundo lleno de colores, imaginación y reivindicación social que debería considerarse una nueva forma de hacer arte.
Cuatro hombres trabajan en un garaje construyendo aparatos altamente complejos. En parte por accidente y en parte por su pericia, descubren un mecanismo dotado de poderes que les permite conseguir casi todo lo que quieran. Se trata de un hallazgo que podría cambiar el mundo, pero que pondrá a prueba las relaciones entre sus inventores.
7.000 dólares. Ese es el presupuesto de esta cinta independiente en la que su director Shane Carruth además de dirigir ejerce de guionista, compositor, productor y actor. A simple vista y leyendo el argumento la cinta no parece tan compleja como resulta ser y es que a medida que avanza sus diálogos se vuelven más y más complejos hasta hacer que el espectador standard, ese que tiene una idea mínima de física y matemáticas, se pierda por los complejos laberintos que traza esta película.
El trabajo de Carruth en cualquiera de las labores que desempeña en este film es admirable no sólo por desempeñar con éxito la escritura de un guión complejo o por hacer una interpretación más que convincente, es admirable por el valor de hacer una película con un toque muy personal y que no deja indiferente a nadie. A medida que avanza, la cinta va volviéndose más compleja al entrar en el tema de las paradojas temporales hasta hacer que perdamos la referencia de en que espacio temporal nos encontramos. Un rompecabezas que cuando acaba da la impresión de que hemos pasado por alto muchos detalles o que simplemente su director no quiere darnos esos detalles.
Compleja pero a la vez muy interesante y que hace que te veas inmerso en un juego en el que el tablero y las piezas están en entera disposición de Carruth. Un juego en el que Carruth siempre juega con ventaja y que hace, no sólo que me vea desbordado por su brillante ingenio, si no que cuando acabé de jugar a su juego tuvé que buscar la solución a su rompecabezas en internet. Una solución que quizás este mejor sin respuesta.
John y su mujer Elena, una mundialmente famosa patinadora sobre hielo, están a punto de firmar los papeles del divorcio, pero cuando el mundo está a punto de sufrir un colapso cósmico, ambos se dan cuenta de que merece la pena luchar por su amor.
A lo largo de la historia del cine y sobre todo en los últimos años son muchas las cintas que cuentan la destrucción de nuestro planeta. Alienígenas, meteoritos o cambios ambientales son algunas de las razones por las que la raza humana llega a su fin, la gran mayoría de estas cintas suelen contar con unos espectaculares efectos visuales, lo que conlleva también un gran presupuesto, pero un gran presupuesto no siempre es sinónimo de calidad y si no que se lo pregunten a Roland Emmerich.
'It´s All About Love' es una cinta sobre el fin del mundo, pero ante todo es una cinta, como bien indica su título, sobre el amor. Un amor que nuestros protagonistas habían perdido y que a lo largo de la cinta tratan de volver a encontrar. Tanto Joaquin Phoenix como Claire Danes, nuestros protagonistas, cumplen de manera más que correcta en este drama que a medida que avanza se va convirtiendo en un Thriller psicológico en la que nadie es quien dice ser. Se hecha de menos que teniendo un secundario de lujo como es Sean Penn en el rol del hermano de Joaquin Phoenix sus apariciones sean meramente anecdóticas y, en su mayoría, a modo de voz en off.
Thomas Vinterberg realiza con brillantez una cinta distinta sobre un tema tan abusado como es el del fin del mundo sin caer en tópicos ni necesitando efectos visuales y haciendo que a medida que avanza la cinta nos olvidemos que el mundo se va a acabar. Cargada de simbolismo hace que nos preguntemos cuáles son las verdaderas razones de que se acabe el mundo, si los cambios ambientales o simplemente que a la humanidad ya no le queda amor.
Un grupo de amigos son testigos de un accidente de tren mientras ruedan una película casera en Super-8. Poco después comienzan a producirse desapariciones y eventos inexplicables en el lugar mientras que el sheriff trata de descubrir que sucede. La verdad será algo mucho más terrible de lo que podrían haber imaginado...
J.J. Abrams ( 'Lost', 'Fringe', 'Star Trek') es un nombre que puesto en el cartel de cualquier proyecto causa siempre una cosa: expectación. Estamos ante uno de los directores actuales que ha traído más frescura a los dos principales formatos audiovisuales, cine y televisión, y que tanto en uno como en otro ha cosechado unas grandes críticas y lo que es más importante se ha ganado una gran legión de fans incondicionales. Esta vez J.J. Abrams forma equipo con Steven Spielberg, personaje que podríamos considerar como inspiración o incluso mentor de J.J. Abrams y que en 'Super 8' este no se oculta en honrar.
Fue hace más de dos décadas cuando Spielberg sorprendía al público con 'E.T.,el extraterrestre' o con 'Encuentros en la tercera fase', cintas que marcaron tanto a jóvenes como a adultos y que en el propio J.J. Abrams dejaron una profunda huella. Huella que se encarga de hacer notar en esta particular cinta homenaje al cine de Spielberg y que en ciertos momentos hace que te preguntes si este solo produce o también metió mano en la dirección. 'Super 8' cuenta la historia de un alienígena pero también cuenta la historia de la ilusión de un grupo de amigos por rodar una película de cine fantástico, la historia de un padre y un hijo sacudidos por la tragedia o la historia de un fugaz primer amor.
Uno de los puntos fuertes de la cinta es el de dar mucha más importancia a los personajes y su preocupación por terminar su película que limitarse a mostrar a un alienígena destrozar una ciudad. Un alienígena que no vemos en su totalidad hasta casi el final de la cinta y del que durante el resto de la cinta solo nos muestran pequeños flashes haciendo que nuestra imaginación tenga que jugar un papel importante en la película. Interpretada de forma veraz y convincente por todo el reparto y rodada con un ritmo que hace que te sumerjas en la película y te quedes pegado al asiento del cine con una sonrisa tonta de principio a fin.
J.J. Abrams consigue hacer una cinta que dotada de un ambiente setentero nos hace recordar las maravillosas cintas de Spielberg, pero dándole siempre su toque personal. Consigue hacer una cinta que tanto a los espectadores como a los propios protagonistas de la película, esos que parecen salidos de una película del maestro Spielberg, nos gustaría haber rodado.
El Cuerpo de los Linterna Verde es un grupo de combatientes que luchan por seguir manteniendo el orden intergaláctico, la paz y la justicia, como han hecho durante los últimos siglos. Cada uno de ellos posee un anillo que le otorga poder a su dueño. Sin embargo, el equilibrio del universo correrá peligro con la llegada de Parallax y el destino de todo y de todos acabará en manos de Hal Jordan, un piloto en prácticas que tiene algo que al Cuerpo les es necesario: humanidad.
Hacía tiempo que la Marvel le había ganado la partida a DC en lo que se refiere al número de películas sobre superhéroes, si bien es cierto que Marvel (en este caso Disney, su productora) ha adaptado un gran número de sus personajes secundarios a la gran pantalla, como son 'Ghost Rider', 'Thor' o 'Elektra'. Por su parte DC aunque ha hecho muchas menos adaptaciones de sus personajes, las que ha hecho superan, en su mayoría, a estas cintas de "relleno" hechas por su rival (Véase, por ejemplo, 'El Caballero Oscuro').
Warner Bros, la actual productora de DC, ha decidio aprender de su rival y comenzar a realizar adaptaciones de otros superhéroes mucho menos conocidos para dárselos a conocer al público y de paso hacer caja. Por desgracia de la necesidad de la Warner de hacer caja es de donde surge 'Linterna verde' un personaje que si bien no está a la altura de Superman o Batman si que podría dar para algo que para un simple blockbuster veraniego. Dirigida por Martin Campbell ('Casino Royale', 'Goldeneye') y protagonizada por Ryan Reynolds, el cual parece tenerle cariño a las cintas de superhéroes ya que uno de sus próximos proyectos será la adaptación (esta vez de la Marvel) de Deadpool personaje al que ya encarnó en 'X-Men Orígenes: Lobezno'. Quizás lo que más se eche de menos es que nuestro protagonista tenga tan poca imaginación a la hora de utilizar su anillo de poder, el cual le permite crear lo que quiera basándose en su propia imaginación y al que a lo largo de la cinta no se le saca todo el jugo posible. Hal Jordan se tendrá que enfrentar a un ser cósmico que devora planetas de gran poder pero que no le dura 5 minutos. Todo esto con una historia de amor de fondo que nos han contado demasiadas veces y rodeados de personajes intranscendentes como el de Tim Robbins. Por lo demás estamos ante una historia divertida cuyo punto fuerte son las escenas de acción y que hace que al menos no se te atraganten las palomitas.
Un gran número de estas cintas secundarias de superhéroes se olvidan de su principal función, que es entretener, para concentrarse en hacer caja para seguir haciendo secuelas que a su vez le proporcionen a su productor más beneficios (ejemplo: 'Ghost Rider'). Al igual que las anteriores 'Linterna verde' tiene una gran función lucrativa pero la diferencia es que al menos esta vez, sus productores se han acordado de mantenernos entretenidos.
Anton es un idealista médico danés que trabaja en un campo de refugiados de un país africano que está en guerra. Su mujer y su hijo Elias viven solos en Dinamarca. El niño es maltratado en la escuela por sus compañeros y se siente aislado. Pero cuando llega al colegio Christian, un niño huérfano de madre que expresa su dolor por medio de la violencia, él y Elias simpatizan y se hacen amigos. El problema es que esa amistad se convierte en un peligroso juego de venganza y rabia que, además de perturbar la vida de sus familias, lleva a Anton a cuestionarse sus ideales.
Esta es la historia que nos cuenta Susanne Bier y que le ha valido el Oscar y el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa y que ha dejado sin este galardón a películas de la talla de 'Incendies' o 'Biutiful'. Una historia que nos hace viajar desde Africa hasta Dinamarca acompañando a dos familias muy distintas pero que, cada una a su manera, atraviesan una profunda crisis. Susanne Bier trata temas de gran calado como son el acoso escolar o la muerte pero quizás el tema que destaque por encima de otros y que tiene un tratamiento admirable es el de las relaciones familiares, unas relaciones desgastadas y rotas que trata sin necesidad de caer en la lágrima fácil. 'En un mundo mejor' es una cinta que engloba muchos temas y a su vez todos están dentro de uno: la moralidad. Un tema que pondrá a prueba los ideales de nuestros protagonistas y su fortaleza tanto física como mental.
Destacable es la interpretación de Mikael Persbrandt en el rol de Anton el padre de Elias. Este actor desconocido comenzó su carrera de extra en una película de Ingmar Bergman y ahora ha fichado para salir en 'El Hobbit'. Interpreta un personaje que a lo largo del filme sufre un arco de transformación que le hará cuestionarse muchas cosas. No hay que olvidar tampoco la fotografía de la cinta, que aporta una belleza visual que hace que te enamores tanto de África como de Dinamarca.
Una cinta que explora en las profundidades de los protagonistas llevándolos por un viaje en el que aprenderán, entre otras cosas, a conocerse a si mismos. "Ojo por ojo y el mundo se quedará ciego" dijo Gandhi, no sé sí el mundo se quedará ciego pero a Susanne Bier, el ojo por ojo, le ha valido un Oscar.
Robert, un joven periodista que vive y trabaja en Londres, descubre la relación que unió, desde la niñez, a su padre con el sacerdote José María Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei, fallecido en 1975.
Son muchas las cintas que en los últimos años han tratado el tema de la Guerra Civil en nuestro país, unas mejores y otras peores pero todas con algo común y es la crítica recibida por sectores de la derecha que decía que en todas las cintas "los rojos son muy buenos y los nacionales muy malos". 'Encontrarás Dragones' no busca cambiar esta visión, aunque se vea que los del bando republicano no eran tan buenos, pero si que busca cambiar la visión sobre el Opus Dei. Una institución que en 2008 recibía un mazazo llamado 'Camino', una película dirigida por Javier Fesser y que ponía en Jaque a esta institución y su cuestionable moralidad.
Para cambiar esta visión la institución financia esta película dirigida por Roland Joffé ('La misión') y en la que su fundador, Jose María Escrivá de Balaguer, y la institución así como toda la Iglesia en general salen muy bien parados. A parte de la historia sobre el señor Escrivá la película trata otros temas como la historia de un espía nacional y la historia de amor de dos jóvenes anarquistas, unos temas que en muchos ocasiones parecen cogidos con hilos y que no hacen que te sumerjas lo suficiente en ellos. Destacable son las escenas de combates entre ambos bandos, escenas muy bien rodadas y en las que se nota el talento de Roland Joffé que recordemos también firma el guión de la película. Un guión correcto con unas interpretaciones también correctas y en las que no destaca ningún actor por encima de otro.
'Encontrarás Dragones' es una película más sobre la Guerra Civil Española vista con otros ojos, una película en la que se nota quién pone el dinero y que si me llegan a decir que al final de la película en las salas de los cines te pasaban un folleto para inscribirte al Opus Dei me lo hubiese creído. Una cinta que si no fuese por la controversia de tratar sobre el del fundador del Opus Dei hubiese pasado desapercibida y que tiene un lema claro jurar sobre la Biblia o escupir sobre ella.
- Lo mejor: Olga Kurylenko. - Lo peor: que nos intenten vender la moto. - Recomendable si: quieres tener una visión distinta de las películas de la Guerra Civil o si te quieres unir al Opus
Jeanne y Simon Marwan son dos gemelos cuya madre, que lleva mucho tiempo sin hablar, está a punto de morir. Pero, antes del fatal desenlace, les da dos cartas que deben ser entregadas a un padre al que creían muerto y a un hermano cuya existencia desconocían. Ambos emprenderán un viaje al Líbano para localizarlos y encontrar respuestas a su existencia.
En este escenario nos sitúa el director canadiense Denis Villeneuve, un escenario que se encarga en transformar en un intenso viaje a través de los desiertos paisajes del Líbano y que nos mantendrá en tensión a lo largo de sus dos horas de metraje, las cuales se pasan volando. La cinta cuenta con una estructura narrativa muy eficaz que nos hace permanecer pegados al asiento mientras recorremos el presente y el pasado de los personajes, un pasado y un presente rodeado por una atmósfera agobiante y densa pero que no llega a cansar. Al margen de la búsqueda de nuestros protagonistas por su pasado Denis Villeneuve aprovecha para poner de trasfondo el tema del conflicto sucedido en el Líbano durante la decada de los 70 entre cristianos y musulmanes. Un conflicto que narra desde una posición objetiva sin decantarse por ningún bando, sin poner a ninguno la etiqueta de buenos o malos y en que nos demuestra una vez más, por desgracia, que para el fanatismo da igual la religión.
Un guión complejo como el mecanismo de un reloj pero que no falla ni flaquea en ningún momento y que sirve a los actores, sobre todo a las dos actrices protagonistas, para explotar su capacidad interpretativa al máximo y conseguir unas interpretaciones sublimes. Un ritmo pausado pero no de manera excesiva que hace que nos metamos en la piel de nuestros protagonistas y que a medida que avanza la historia sintamos, como ellos cuando abren esas cartas, un incendio interior fácil de sentir pero difícil de describir.
- Lo mejor: las actrices protagonistas y el final. - Lo peor: Se puede hacer pesada si no se esta acostumbrado al ritmo con el que esta narrada. - Recomendable si: Te gustan los dramones y si te gusto 'Vals con Bashir' (que narra el mismo conflicto).
Son muchas las películas que tratan ese tema que tanto gusta a los espectadores como es la venganza. La más reciente, y que seguramente muchos conozcáis, es 'Venganza' protagonizada por Liam Neeson y que aunque no está nada mal no supone nada novedoso en cuanto al tratamiento de este tema.
Para recibir esa bocanada de aire fresco tenemos que alejarnos unos cuantos miles de kilómetros hasta llegar a Corea del Sur, donde directores ya consagrados como Park Chan-wook y otros menos conocidos como Kim Ji-woon dan su particular visión de este tema. Por desgracia, aquí en España sus cintas o no llegan o si lo hacen es en un número reducido de salas que las quitan de cartelera la semana siguiente a su estreno.
Park Chan-wook es quizás el que a lo largo de su filmografia haya trabajado más este tema. Creador de la trilogía de la venganza compuesta por 'Sympathy for M. Vengeance', 'Oldboy' y 'Sympathy for Lady Vengeance' y que le valió el reconocimiento tanto del público como de la crítica internacional al ser galardonado en 2004 con el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y el premio a Mejor película en el Festival de Sitges por 'Oldboy'.
Fotograma de 'Oldboy'
Kim Ji-woon aunque menos conocido que Park Chan-wook a lo largo de su obra y en relación con este tema hay que destacar dos cintas 'A Bittersweet Life' y 'Encontré al diablo'. Galardonado en 2008 con los premios a Mejor Director y Mejores Efecto especiales en el Festival de Sitges por su particular western 'El bueno, el malo y el raro'.
Fotograma de 'Encontré al diablo'
Todos proyectos muy distintos pero con un tema en común, la venganza. Y es que cuando se habla de venganza lo de estos dos directores coreanos son palabras mayores. Una venganza que sirven fría y lentamente destruyendo los propios personajes que ellos mismos han creado y por los que, por lo que podemos ver, no sienten ningún amor. Pero no todo es psicológico y en estas cintas también hay sitio para la violencia, una violencia que está mucho más presente en 'Encontré al diablo' que en, por ejemplo, 'Oldboy' y que nos hace pensar que es mejor no llevarse mal con Kim Ji-woon por si acaso.
Los personajes sufren pero sobre todo hacen sufrir, no tienen ningún remordimiento en ejecutar su venganza de la manera más elaborada y dolorosa posible haciendo que el personaje que sufre la venganza acabe mermado tanto física como, sobre todo, mentalmente.
Cintas que traen muy buenas sensaciones tanto a nivel de innovar como de ritmo y dirección en un tema que es muy dado a caer en la acción pedante y fácil. Cintas que hacen que sintamos, como sus personajes, lo dulce que es la venganza.
'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte - Parte II' (2011)
Diez años separan la primera de la última entrega de una de las sagas más rentables de los últimos años. Una saga que ha sufrido altibajos y por la que a lo largo de sus ocho películas han pasado nada más y nada menos que cuatro directores diferentes.
David Yates ha sido el encargado de rodar las últimas cuatro entregas en las que tanto la historia cómo el estilo que Yates aporta a la saga va adquiriendo un carácter mucho más serio y oscuro.
A los fans más puristas que se han leído los libros, un servidor incluido, les dolerá que ciertas partes del libro (bastante importantes) no hayan sido tratadas con la importancia que merecen y queden como hechos simplemente anecdóticos. De todas formas y dejando esto a un lado, nos encontramos ante una cinta que clausura por todo lo grande la saga y que nos dejará pegados a la butaca con ganas de ver como termina todo esto.
El trío protagonista encabezado por Daniel Radcliffe sigue en la linea de las anteriores entregas, correctos y sin grandes momentos donde destacar, y eclipsados por un gran Alan Rickman (Severus Snape) que durante toda la saga y en esta entrega una vez más vuelve a ser de lo mejor de la cinta. Es cierto que una de las partes que más expectación causaba entre los fans era ver como era tratada la batalla final en Hogwarts y la verdad es que se echa de menos que no se detengan un poco más en esta parte.
Nos despedimos de Harry Potter, de Hogwarts y del Andén 9 y 3/4 donde ya no volverá ese tren cargado de magia al que nos subimos por primera vez hace diez años, hasta siempre. Y gracias por el viaje.
Lo mejor: Alan Rickman y la buena forma de clausurar la saga. Lo peor: Que ciertas partes no sean tratadas como merecen. Recomendable si: eres fan de la saga y quieres ver como acaba todo esto.
Hay que ver como es el cine y si no que se lo digan a Florian Henckel-Donnersmarck cuya opera prima, 'La vida de los otros', tuvo una acogida espectacular tanto de crítica como de público y que le valió un Oscar a mejor película de habla no inglesa. Pero una vez el cine vuelve a demostrarnos que un Oscar no significa éxito asegurado siempre y 'The Tourist' nos hace pensar si aquel hombre que dirigió la espléndida 'La vida de los otros' es el mismo que el de esta ¿película?.
La verdad es que a primera vista, viendo al director y a los protagonistas la cosa atrae bastante pero no os dejeis engañar pues todo eso es sólo fachada. Tanto Johnny Depp como Angelina Jolie aburren, cansan y en muchos momentos de la cinta, por no decir en todos, hacen el ridículo ayudados por un guión simple, aburrido y previsible. Me pararía a hablar de las actuaciones pero no hay nada que destacar ya que tanto la falta de química entre Jolie y Depp como el guión te hacen desear que la película fuese muda.
En ciertos momentos de la cinta no sabía si me encontraba ante un ¿thriller?, carente de emoción eso si, o de un videoclip porque tanto la música como los momentos en los que es utilizada te hace pensar si lo que estas viendo es un videoclip o la última producción de Disney.
El desarollo de la trama es algo que, para variar, también falla en la cinta cuyo punto más emocionante lo alcanza en la última media hora cosa que se estropea con quizás uno de los peores finales de la historia del cine.
En resumen, una película que bien podríamos encontrarnos en Telecinco o Antena 3 un domingo por la tarde y que si no llega a ser porque tiene a dos estrellas en ella hubiese pasado por los cines sin pena ni gloria. Tras todo esto aún estoy esperando que alguien me explique como esta cinta pudo tener tres nominaciones a los Globos de Oro ya que lo único que funciona en ella es lo de quitarle a uno las ganas de visitar Venecia.
-Lo mejor: cuando acaba y salen los créditos -Lo peor: el guión y la falta de química entre los protagonistas - Recomendable si: quieres echarte una siesta
Polémico. Si hay una palabra que describe a la perfección a Lars Von Trier es esa, no solo por sus declaraciones corrosivas, si no por todo lo que engloba y lo que hace que cada vez que saca una nueva película, la gente espere impaciente con que será la nueva genialidad o aberración, depende los gustos, de este peculiar director danés.
Mi respeto se lo gano con 'Bailar en la oscuridad', un drama musical ganador de la Palma de Oro y del Premio a Mejor Actriz en el Festival de Cannes. Un drama que pone los pelos de punta tanto por lo dura que es su historia como por su manera tan peculiar y personal de rodarla (al principio puede parecernos que estamos ante un documental). Quizás es ese rodaje o la gran interpretación de Björk, lo que hace que la historia te atrape de principio a fin y rías cuando los personajes rien y sufras, y mucho, cuando estos sufren.
Fotograma de 'Bailar en la oscuridad'
Si con 'Bailar en la oscuridad' ya había conseguido ganarse mi respeto más tarde, y saltándome algunas de sus obras más respetadas como son 'Rompiendo las olas' o 'Europa', consiguió con 'Dogville' que me quedase mirando como un idiota al televisor durante sus más de 2 horas de metraje. Protagonizada por una gran Nicole Kidman y rodada siguiendo sin salirse de su estilo particular (Dogma 95). Si en 'Bailar en la oscuridad' nos encontrábamos ante una cinta rodada de forma que parecía un documental, en 'Dogville' nos encontramos ante una cinta rodada como si fuese una obra de teatro, los decorados son minimalistas, el guión está muy cuidado y hace que te olvides de los escenarios minimalistas que al principio te descolocan un poco y hacen que te preguntes donde te has metido. Todo esto ayudado por unas interpretaciones impecables, destacando por encima Nicole Kidman.
Fotograma de 'Dogville'
Después llegó 'Manderlay', que es la continuación de 'Dogville' pero que está vez está protagonizada por Bryce Dallas Howard que sustituye, sin tenerle nada que envidiar, a Nicole Kidman en el papel de Grace. La cinta sigue la estética minimalista de 'Dogville' y aunque es menos impactante al no ser algo tan novedoso, como lo fué 'Dogville' cuando salió, si te gustó la anterior es algo que tienes que ver.
Pero no todo es de color de rosa y llego 'Anticristo' la incursión del danés en el cine de terror consiguiendo un aluvión de críticas negativas y, como suele pasar, cargado de polémica con sus declaraciones en el Festival de Cannes: "Soy el mejor cineasta del mundo, los demás están sobrevalorados".
Centrandonos ya en 'Anticristo', protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, podría decir y no estaría exagerando que me provoco arcadas y no arcadas de estas que te produce una película de Uwe Boll, si no arcadas de ver como un hombre con tanto talento como es Lars Von Trier gasta su tiempo ante semejante bizarrada. La cinta esta cargada de morbo, ya sea por sus escenas de sexo que las hay durante todo el film como por alguna escena que hace pensar que este hombre no está bien de la cabeza. De todas formas en la oscuridad surge una luz y eso es el prólogo de 'Anticristo', una autentica obra de arte, tanto visual como técnica, y que nos hace pensar que dentro de todo ese morbo que rodea la cinta estamos ante un director que sabe como cautivar al público.
Recientemente seguramente escuchaseis la última de sus polémicas, también en el Festival de Cannes, con motivo de la presentación de su último film 'Melancholia' protagonizado por Kristen Dunst. Está vez sus declaraciones fueron que "entendia a Hitler" declaraciones que no gustaron mucho en el Festival y que, aunque posteriormente pidió disculpas, fue declarado persona non grata negándole así su participación en el festival. Kristen Dunst ganó el premio a Mejor actriz en el Festival y Lars Von Trier consiguió, con sus declaraciones, una publicidad para su nuevo film que seguro hará que tanto los que le adoran como los que le odian estén deseando ver la próxima creación de este particular director.
Para empezar tengo que decir que no es que sea muy fan de la saga Transformers, es cierto que esta saga es mero blockbuster y que hay que visionarlas de esta manera. Hay que decir que como blockbuster veraniego y como complemente para unas palomitas y una Coca-Cola de 1 litro esta saga cumple con creces, de eso no hay duda.
En esta tercera entrega de la saga, los Autobots y los Decepticons se ven envueltos en una peligrosa carrera espacial en la Tierra entre los EE.UU. y Rusia, y una vez más San Witwicky tendrá que acudir en ayuda de sus amigos robots.
No me voy a detener a analizar el guión (basícamente porque no hay) o lo bien dirigida que esta porque una cosa esta clara: Michael Bay se lo tiene que pasar bomba dirigiendo este tipo de películas en las que cuando el guión falla, o en este caso no existe, se dedica a poner dinamita en todo lo posible para conseguir unos fuegos artificiales que te dejan con la boca abierta y a la vez hacen que te rías de la enorme capacidad para la destrucción que tiene el Sr. Bay.
La cinta cuenta con un elemento novedoso y es Rosie Huntington-Whiteley sustituyendo a Megan Fox. La verdad es que Megan Fox es una gran pérdida para esta saga, no por su capacidad interpretrativa que yo personalmente dudo que tenga si no porque las camaras lentas que le ponía el Sr. Bay dejaban a la sala, incluído a un servidor, babeando. Pero vamos, que Rosie Huntington la suple muy bien y nos deja claro que no tiene nada que envidiar (Ojo a su primera aparición) a Megan Fox.
El 3D quizás sea uno de los mejores hasta el momento pero aún así no es algo del otro mundo que te deje con los ojos abiertos, es un 3D muy logrado y ver a Optimus Prime contra Megatron en 3D no está mal, pero aún así se puede ver perfectamente en 2D sin perderse gran cosa y ahorrándose algunos euros.
La duración de la cinta es de 157 minutos, una autentica barbaridad porque para contar lo que cuenta podrían haberla reducido a 120 minutos y ahorrarnos los últimos 30 minutos que son un auténtico suplicio y que solo hacen que acabes aburrido de tanto robot y pienses que desde pequeño Michael Bay tenía un serio problema con los petardos.
- Lo mejor: los primeros 10 minutos, Rosie Huntington y Optimus Prime
- Lo peor: la duración (157 minutos!!) la facilidad del Sr. Bay para hacer explotar cosas, en este caso una ciudad entera.
- Recomendable si: te gustan los blocbuster veraniegos y te gustaron las dos anteriores
El título ya lo dice todo, no nos encontramos con la típica comedia romántica adolescente. Es la tercera vez que veo '(500) Días juntos' y cada vez que la veo me sigue encantado porque que me guste más es imposible. De primera vista nos encontramos con un planteamiento muy típico, chico conoce a chica, pero como bien se dice en los primeros minutos de película no nos encontramos ante una película de amor.
Es el debut como director de Marc Webb (que seguramente os suene por que es el director del reboot de 'Spiderman') y como primera incursión tras las cámaras lo hace de la mejor manera posible. Tanto Joseph Gordon-Levitt como Zooey Deschanel están muy bien en sus papeles, él haciendo de Tom, el chico despechado, y ella haciendo de Summer ,la chica que le rompe el corazón.
Un gran punto a su favor y que seguramente haga que por eso no sea otra de esas típicas comedias románticas de adolescentes a las que tanto nos tiene acostumbrados Hollywood es el guión. Un guión que no cae en lo pedante en ningún momento de la cinta, que no busca la lagrima fácil y que tiene algunos momentos muy brillantes (solo hay que ver la conversación de Tom comparando a las mujeres con robots). Otro punto fuerte y que me gustaría destacar es la banda sonora, muy cuidada y muy bien elegida con canciones de 'The Pixies', 'The Temper Trap', 'Regina Spektor' o 'Carla Bruni' que combinada con todo lo demás hace de la que ha sido sin duda , para mi gusto, una de las mejores películas de 2009.
Una cinta con la que seguramente muchos se sientan fácilmente identicados, 90 minutos para disfrutar que se hacen, por desgracia demasiado cortos. Chaplin decía "Pensamos demasiado, sentimos muy poco".
Pues bien Marc Webb ha conseguido que deje de pensar durante 90 minutos, para empezar a sentir.
Nota: 9/10
- Lo mejor: El guión, la banda sonora y Joseph Gordon-Levitt.
- Lo peor: Lo muy identificados que nos podemos sentir con el personaje de Tom.
- Recomendable si: Odias las típicas comedias románticas.
